Quase Alice

Camila Cabello divulga capa de novo álbum e anuncia música para sexta-feira

By Aline Braga - novembro 13, 2019

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[ANÁLISE] Coringa: as cores e o desenvolvimento de personagem

By Aline Braga - novembro 10, 2019

Demorei a começar a escrever essa análise. Quase um mês para ser exata. Vi o filme novamente. Tentei digerir o máximo que pude. Mas se tem uma coisa impossível no filme Coringa (2019) é se sentir confortável com ele. E era exatamente esse o objetivo. Um personagem tão popular na cultura pop teve, mais uma vez, uma de suas melhores representações no cinema. Com uma combinação perfeita entre os planos e enquadramentos do diretor Todd Phillips, a fotografia de Lawrence Sher, a atuação impecável de Joaquin Phoenix, a edição certeira e a trilha sonora incômoda, o filme conseguiu explicar de maneira indiscutivelmente brilhante a gênese desse personagem emblemático.

Nesse artigo, vamos analisar apenas a fotografia, a escolha das cores e a contribuição desse artifício para o desenvolvimento do personagem. Para começar, precisamos entender como esses recursos funcionam e o porquê deles serem tão importantes nas obras cinematográficas.

Fotografia no Cinema

A fotografia no cinema consiste basicamente na captação de imagens. Ou seja, abrange tudo aquilo que será visto pelo espectador. Mas não é só isso, essa área controla todo o processo de construção e registros da produção. Ou seja, a fotografia é responsável por levar a atmosfera imaginada pelos diretores e roteiristas pela as telonas.

O diretor de fotografia, por exemplo, é responsável por trabalhar ao lado do diretor e formular ângulos e enquadramentos de uma cena, definir planos, tipo de luz, enquadramentos e trabalhar com o tema desse texto: as cores do filme.

Psicologia das Cores

As cores no cinema não servem apenas para deixar as cenas visualmente bonitas. Como dito no tópico anterior, uma das funções da fotografia é reproduzir sentimentos e intenções dos criadores da obra para que as pessoas possam identificá-los. E qual o melhor recurso para atingir esses objetivos? A colorização das cenas! É por meio da cor que podemos acentuar o estado de ânimo e as emoções transmitidas por personagens (segura bem essa informação aqui!), ajudar na percepção do tempo (muitos filmes com linhas do tempo não lineares usam a cor para demarcar a temporalidade) e do clima (quente e frio, por exemplo) e, de forma geral, representar o conceito da cena ou da obra.

Em algumas obras, as cores são pensadas como um importante elemento para o desenvolvimento da narrativa do filme. E é o caso de Coringa.

Coringa e as cores

Na obra de Todd Phillips, explicitamente, três cores são predominantes: o amarelo, o azul e o verde. Cada cor representa um estado de espírito do personagem principal e o conjunto delas, me arrisco a dizer, representa a obra por completo. Com o auxílio desse recurso, a transformação do Arthur Fleck no maior vilão da DC acontece diante dos nossos olhos de maneira coesa e harmônica, apesar de louca e doentia.

Azul: a melancolia de Arthur Fleck

No início do longa, nós temos um personagem com problemas psicológicos, tomando 7 medicamentos diferentes, na margem da sociedade. Arthur Fleck tem a postura curvada, quase que tentando se esconder do mundo cruel que o cerca. Todas as cenas em que ele está vulnerável, triste e melancólico, a cor predominante na cena é o azul.

Essa cor é considerada fria e no cinema ela pode representar calma, frieza do personagem ou do ambiente e, no caso do filme em questão, isolamento e melancolia. Durante todo a história, quando o personagem está em seus piores momentos, desconfortável consigo mesmo, a atmosfera do ambiente é azul.

Como exemplos, podemos citar na primeira cena do consultório um homem introvertido, triste, que não consegue se comunicar bem. Até sua expressão corporal e sua fala são inquietas e incômodas. Também temos a cena da cozinha, onde ele tenta entrar na geladeira - talvez pra se esconder da realidade que o tortura - e seu corpo está ainda mais curvado, quase que dentro de si mesmo. Ambas têm colorização azulada e esse padrão se repete durante toda a obra.

Amarelo: os primeiros indícios

O amarelo também pode representar a alegria e a inocência, mas esse definitivamente não é o caso. Todas as cenas que tem esse tom predominante, representam a loucura e a vingança do personagem. Logo depois do primeiro crime, Arthur Fleck passa por um enorme corredor de luzes amareladas (aliás, os corredores são um elemento narrativo muito utilizado pelo Todd Phillips no filme, mas isso é papo pra outro post). Essa cena pode facilmente representar uma transição entre o homem melancólico e o vilão enlouquecido.

Uma coisa muito importante a ser ressaltada sobre essa cor é a aparição sorrateira dela em algumas das cenas onde o personagem está no ápice de seu desespero. Como na cena da geladeira, citada anteriormente, que apesar de ser predominantemente azul, conta com uma janela com uma luz amarela iluminando a cena, como se a loucura insistisse em entrar. Essa mesma presença sutil da cor amarela acontece em algumas outras cenas.

A cor verde: a metamorfose está completa

Azul e amarelo são cores primárias. A junção delas resulta em uma secundária: a verde. Propositalmente ou não, a cor que representa a transformação final de Arthur Fleck no Coringa é justamente essa. O verde no cinema geralmente representa a natureza, a calma. E nesse filme em questão, a cor representa a racionalidade. Você deve estar se perguntando como alguém que acabou de assumir sua própria loucura está racional, mas é isso mesmo. Antes dos crimes, como o próprio personagem diz em sua última sessão na terapia, ele sequer sabia que existia. Quando ele finalmente dá lugar à persona, ele sente que sim. Que existe. Que está ali. É a racionalidade. É o descobrimento de si.

A primeira aparição evidente desse tom mais esverdeado na atmosfera é na cena da dança no banheiro, logo após o primeiro crime cometido, no metrô. Arthur Fleck não está preocupado, não está arrependido. Ele pela primeira vez se sente confortável dentro da própria pele, da própria loucura. E quando ele é convidado para o programa de TV, pinta seu cabelo de verde. Obviamente já é a cor característica do personagem desde os quadrinhos, mas isso não deixa de ser representativo. Esse talvez tenha sido o último estágio da transformação. A pessoa não existe mais, apenas a persona. Arthur Fleck finalmente se transformou no Coringa.

BÔNUS - Cena final [Contém spoilers]

A única parte do filme que não conta com nenhuma dessas três cores, incluindo o cabelo do Coringa voltando a ser castanho, é a cena final. O personagem está no Arkham State Hospital, em uma camisa de força, conversando com o que parece ser uma psicóloga. A cena é completamente branca.

Em um corte de cena, nosso amado vilão sai do quarto em que estava e deixa pegadas sujas de sangue pelo caminho. Em seguida, ele é perseguido pelos funcionários do manicômio, mas não é pego. O branco da cena pode facilmente representar a paz que ele encontrou na maldade e na loucura, já o vermelho, o sangue, é a representação do rastro de morte que ele deixa por onde passa.

E aí, você notou alguma dessas coisas enquanto assistia o filme? Acha que esqueci de falar sobre algo? Conta pra mim aí nos comentários :)

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5 filmes que falam sobre o suicídio + Conversa com o profissional

By Aline Braga - setembro 26, 2019

O mês de setembro é marcado por ações que visam conscientizar as pessoas sobre o suicídio. São discutidas as causas, os sintomas e como prevenir esse mal que, segundo a Organização Mundial da Saúde (OMS), afeta 800 mil pessoas por ano em nosso país. Essas iniciativas geralmente partem de organizações de setores públicos e privados e por profissionais de saúde da área da psicologia e psiquiatria. Mas também é possível conscientizar sobre o suicídio por outro âmbito: a arte.

O cinema, por exemplo, conta com diversas obras que retratam a vida de pessoas que sofrem com pensamentos suicidas ou que convivem com alguém assim. Também segundo a OMS, os casos de suicídio geralmente estão ligados à transtornos psicológicos como depressão, ansiedade, síndrome do pânico, bipolaridade, entre outros. Para combater o suicídio, essas nuances devem ser discutidas e debatidas, deixando os tabus e preconceitos de lado.

Aqui, você vai encontrar uma lista de filmes com a temática, que também podem ser usados como uma ferramenta para enriquecer as discussões sobre o suicídio, pois tratam das mais diversas causas e problemas que podem levar ao suicídio. No final, você também vai encontrar uma entrevista com uma psicóloga sobre o assunto, no quadro “Conversa com o profissional”, novo aqui no blog. Bora lá?

As vantagens de Ser Invisível (2012)

Frase: “Então, esta é a minha vida. E quero que você saiba que sou feliz e triste ao mesmo tempo, e ainda estou tentando entender como posso ser assim”

Segundo a Organização Pan-Amarericana da Saúde (OPAS), o suicídio é a segunda maior causa de morte entre jovens de 15 a 29 anos no Brasil e o número de deprimidos nessa faixa etária tem crescido a cada ano. No cinema, também existem obras que retratam essa realidade. Baseado no filme de mesmo nome, As vantagens de ser invisível conta a história de Charlie (Logan Lermman), um adolescente que está se recuperando de uma depressão e da morte do melhor amigo, que se suicidou com um tiro na cabeça. O filme, que parece ser mais um drama adolescente, vai muito mais além disso ao tratar de temas complexos, que o público descobre à medida que os fatos são revelados.

Toda a história é contada sob a perspectiva do garoto, mas apesar disso, não conseguimos entender imediatamente as causas da doença e o motivo dele não confiar em ninguém. Nem em seus familiares mais próximos, até que conhece os veteranos Sam (Emma Watson) e Patrick (Ezra Miller). Então começamos a descobrir o que de fato aconteceu e acompanhamos a batalha do personagem para vencer esses traumas.

Dirigido por Stephen Chbosky, que também escreveu o roteiro e o livro que deu origem à obra, o filme vai muito além do esperado: é um drama de amadurecimento que trata de problemas complexos com muita sensibilidade. Nele podemos conhecer um pouco da depressão causada por estresse pós-traumático e tudo que essa doença pode causar na vida de um adolescente.

O lado bom da vida (2012)

Frase: “Não quero ficar no lugar ruim, em que ninguém acredita no lado bom das coisas, no amor ou em finais felizes”

O lado bom da vida é um filme que vai te fazer rir, chorar e pensar na vida. Tudo ao mesmo tempo. A obra, que rendeu um Oscar de melhor atriz para a Jennifer Lawrence, começa contando a história de Pat Solitano Jr. (Bradley Cooper), um homem que acabou de perder tudo: emprego, casamento, casa, a liberdade e até sua sanidade mental. Após ser diagnosticado com bipolaridade, ele passa um tempo internado em uma clínica pisquiátrica e depois volta para sua família. É aí que a história começa.

Ele conhece Tiffany (interpretada pela Lawrence), uma mulher de personalidade forte e aparentemente intimidadora, que também está passando por problemas psicológicos. De cara, já dá pra saber que tudo aquilo pode dar muito errado. Mas, no decorrer da história, a relação dos dois acaba os ajudando a superar aquele momento difícil.

O longa, que é inspirado no filme de mesmo nome, escrito pelo autor Matthew Quick, e dirigido pelo David O. Russel, nos faz refletir sobre otimismo e pessimismo e como devemos saber dosar esses dois sentimentos ao longo da vida. O lado bom da vida, como o próprio nome diz, mostra como sempre podemos encontrar uma saída quando achamos que a história chegou ao final. E se não basta a minha indicação, a própria Academia reconheceu o acerto do filme: além da categoria em que saiu vencedor, melhor atriz, a obra recebeu mais 8 indicações ao Oscar.

A liberdade é azul (1993)

Frase: “Vivemos clamando pela liberdade, mas raramente estamos dispostos a exercê-la”

A liberdade é azul é o primeiro filme da trilogia das cores do diretor polonês Krystof Kieslowski. Os três filmes tem uma cor no título (azul, branco e vermelho), uma suposta homenagem à bandeira da França. Essa introdução não diz muito sobre o tema desse post, certo? Errado. No cinema, as cores frias, principalmente os tons de azul, tendem a passar uma sensação de melancolia, introspecção, tristeza, solidão e até de frio. Te lembra alguma coisa? Pois é.

Mas para além do título, o longa conta a história de Julie (Juliette Binoche), uma mulher que perde o marido e a filha em um acidente de carro e precisa aprender a conviver com o luto. Depois do ocorrido, a personagem dispõe de “liberdade”, já que agora não tem responsabilidades nem amarras. Pode escolher o que fazer e onde trabalhar, sem preocupações.

Entretanto, assim como a cor azul, Julie está melancólica, em depressão. Lançado em 1993, o filme ainda é muito atual quando se trata do tema. É um filme muito sensível, que fala sobre a doença de uma maneira muito realista, sem um personagem que supera todos os seus problemas e vira um herói: o que se aproxima bem mais da nossa realidade, né?

As faces de Hellen (2009)

Frase: “Não é comum, alguns escondem muito bem. Devia ver os atores que temos na ala do suicídio”

Essa obra traz uma história muito interessante e que retrata bem como a depressão e os pensamentos suicidas podem ser destrutivos e silenciosos. Hellen (Ashley Judd) tem uma vida perfeita: é bem sucedida em sua carreira de professora de música, é uma mãe amorosa e é apaixonada pelo marido. Mas existe um segredo: ela é portadora de transtorno bipolar e esconde isso de todos.

No decorrer do filme, percebemos que, assim como acontece na vida real, quem tem essa doença, não consegue esconder por muito tempo. Uma hora ou outra, no momento mais banal, uma crise pode acontecer. A obra também retrata o quão prejudicial pode ser a demora para procurar ajuda, tanto para quem sofre com o problema, como para quem convive com a pessoa.

Dirigido por Sandra Nettelbeck, As faces de Hellen é uma boa pedida para quem quer saber mais sobre o transtorno bipolar, o tratamento e a adaptação a ele, além das consequências de um tratamento tardio e da importância do apoio a quem passa pelo problema.

Pequena Miss Sunshine (2006)

Ao contrário do título do filme, a família Hoover não tem tanta luz. Como muitas famílias, eles passam longe do conceito de perfeição. Eu diria que são até mesmo distantes da normalidade e tranquilidade. Mas é justamente esse o principal ponto do filme, cheios de problemas e frustrações, eles depositam na filha mais nova, Olive (Abigail Breslin) toda a esperança de trazer um pouco de alegria para a família.

Em algum nível, todos os membros da família tem problemas com depressão - ou alguma outra peculiaridade psicológica. No decorrer da trama, é possível notar como todos acabam se aproximando, chegando na lição do filme: nós não precisamos passar por situações difíceis sozinhos.

A obra de Jonathan Dayton e Valerie Faris mistura drama e comédia, fazendo você querer rir e chorar enquanto acompanha a história daquela família - e talvez até lembrar da sua. Padrões de beleza e conceitos como felicidade, fracasso e sucesso são muito discutidos ao longo do filme. O filme venceu 2 categorias no Oscar - melhor roteiro original e melhor ator coadjuvante - e foi indicado para mais duas - melhor filme e melhor atriz.

Conversa com o profissional

Essa parte aqui no blog é nova: de vez em quando, quero trazer um profissional das mais diversas áreas para falar de assuntos em que são especialistas. Para começar, convidei a psicóloga Thaymara Félix, graduada em Psicologia pela Universidade Potiguar, especializada em políticas públicas de atenção à família e formação em Gestalt e Psicooncologia. Confira a entrevista abaixo:

O que é o Setembro Amarelo?

O setembro Amarelo é uma uma iniciativa brasileira que surgiu em 2015 do Centro de valorização a vida (CVV), do Conselho Federal de Medicina (CFM) e da Associação brasileira de Psi(ABP) com o intuito de fomentar espaços de reflexão, discussão e principalmente a prevenção do suicídio.

A depressão e o suicídio ainda são tabus. De que forma o Setembro Amarelo contribui para transformar essa realidade?

Sim, é verdade. Crescemos em uma sociedade que muitas vezes ainda não é permitido falar sobre suas inquietações, dores e sofrimentos. E aí a campanha vem com uma perspectiva de ir alcançando as pessoas se forma direta e indiretamente. Através de palestras, divulgações em redes sociais, conversas informais, espaços públicos e privados.

Quais são os principais sintomas de alguém depressivo?

Os sintomas mais comuns são ansiedade, angústia, falta de interesse social desânimo, humor depreciativo, sentimento medo, indecisão, melancolia, tristeza, pensamentos automáticos negativos e a ideação suicida. No entanto, também podem surgir sintomas físicos, como dores de cabeça constante ou qualquer outro tipo de dor sem explicação científica.

O que pode causar essa doença?

Os aspectos que podem levar ao desenvolvimento de uma depressão podem ser multifatoriais. Aspectos orgânicos e genéticos devem ser levados em consideração, mas o contexto social e ambiental que o indivíduo se encontra é uma ferramenta potente para propiciar a depressão. E aquilo que não é falado gera muito sofrimento, vulnerabilidade e falta de suporte para sustentar.

O que fazer quando alguém próximo está passando por isso?

Ter sensibilidade para perguntar sobre suas ideias e pensamentos sem julgamentos e comparações, escuta atenta e muito cuidadosa, respeitando a pessoa sem viés religioso e ou moral e indicar um profissional capacitado, fazendo o movimento mesmo de levá-la acompanhando, pois quem está fragilizado e desesperançoso não busca ajuda de forma espontânea.

Onde as pessoas podem procurar ajuda?

Em CAPS, UBSs, UPAs, SAMU, hospitais e CVV (188).

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Anitta: o talento e o marketing

By Aline Braga - julho 24, 2017

Há muito os brasileiros (principalmente o público LGBT) estavam “sedeeeentos” por uma diva pop para chamar de sua. Em 2012, Larissa de Macedo Machado, a Anitta, lançava smash hit “Show das Poderosas”. Hoje, a cantora é a única brasileira presente no Social 50 da Billboard (ranking da popularidade de artistas nas redes sociais) e seu último single, “Paradinha”, quebrou o recorde de vídeo mais visto em 24 horas no YouTube e, no Spotify, a música teve mais de 500 mil execuções em seu dia de estreia. “Paradinha” ficou mais de um mês no topo das paradas do Spotify Brasil.

O posto foi assumido, mas o processo que levou Larissa a se tornar Anitta (ou Anira, para os mais íntimos) ainda intriga muita gente. Alguns dizem que foi sorte, outros que ela é “apenas um caso de marketing”. Eu acho que é muito mais. Anitta uniu talento, inteligência, obviamente o marketing e muuuuito trabalho duro para merecer a coroa de rainha do pop brasileiro. Pensando nisso, resolvi listar e analisar aqui alguns acontecimentos importantes da carreira da cantora que provam que ela é muito mais do que um caso de marketing. Então coloca sua playlist da Anitta pra tocar, se acomoda na cadeira e vem descobrir comigo o que faz da Anitta essa poderosa!

O começo de tudo

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Anitta, quando ainda era Larissa, estagiava numa empresa enquanto fazia um curso técnico de administração. Nas horas vagas, sonhava em ser cantora e publicava vídeos cantando na internet. A voz e o carisma de Larissa chamou a atenção de um empresário, que decidiu investir na carreira da garota, a lançando no funk carioca. E assim nasceu Anitta. A partir daqui, devemos observar a cantora como um produto. E todo produto precisa ser consumido.

Desde o começo, todos os passos de sua carreira foram milimetricamente pensados. Em uma entrevista, a própria confessou que o sucesso de Show das Poderosas já era um pouco esperado. A letra da canção - com muitas palavras proparoxítonas - foi escrita propositalmente para ser daquelas que grudam na cabeça, e os singles e clipes lançados antes do hit foram uma espécie de preparação para o sucesso de Show das Poderosas (e garantiram para ela um contrato com a Warner Music). Mas o retorno foi maior do que se imaginava, então Anitta e sua gravadora tiveram que produzir um álbum às pressas para acompanhar o sucesso do single.

Vale salientar que essa fórmula que consiste em letras simples + coreografia deu tão certo com Show das Poderosas que ela repetiu a dose com as músicas Bang, Sim ou Não e Paradinha, por exemplo.

Pitty x Anitta: como a artista aprendeu a ser uma pessoa pública

Com o sucesso chegando, Anitta começou a ser convidada a participar de vários programas de televisão. Em um deles, o Altas Horas, apresentado pelo Serginho Groisman, com uma plateia cheia de homens e apenas mulheres convidadas, a funkeira se envolveu em uma discussão sobre conquista de direitos e liberdade sexual feminina. Enquanto Anitta dizia que as mulheres “dão muito em cima dos homens” e por isso eles “não acham legal”, e que as mulheres já tinham conquistado todos os direitos pelo qual lutavam, a cantora Pitty saiu em defesa das mulheres e rebateu, dizendo que “Nós ainda não temos os mesmos direitos” e que eles não tem que achar nada.

Nas redes sociais, o impacto dessa polêmica foi extremamente negativo para a intérprete de Show das Poderosas. Lembro muito bem que todo mundo comentou sobre “o pisão que a Pitty deu na Anitta”. Mas acreditem, essa discussão foi de extrema importância para a construção de pessoa pública da cantora. Passada a polêmica, Anitta, pouco a pouco, foi mudando seu discurso e sua postura sobre alguns assuntos, incluindo liberdade feminina, de modo que ele agradasse a gregos e troianos. Não sei se isso é mérito de algum media training, mas essa mudança na postura da cantora foi tão efetiva, que hoje ela é aplaudida por seus discursos e posicionamentos, seja em shows ou programas de TV.

Um dos meus discursos preferidos da Anitta. “Eu prefiro ser sozinha do que ser subordinada” é um lema, né?

Cross Media

Toda vez que a Anitta vai lançar alguma coisa, seja música, álbum ou videoclipe, existe uma mobilização massiva por toda internet, principalmente nas redes sociais. Twitter, Instagram, Facebook, YouTube, Spotify e outros serviços de streaming de música estão todos, ao mesmo tempo, engajados na divulgação do produto. Esse tipo de ação, nos estudos de marketing, é conceituado como Cross Media. Nesse conceito, o conteúdo - no caso o produto - é distribuído em diferentes tipos de mídia, com a intenção de atingir o máximo de público possível. Quem acompanha seu trabalho sabe o quanto ela é profissional nisso.

Material produzido principalmente para a internet

Além de utilizar todos os meios possíveis para divulgar suas músicas, Anitta também produz o conteúdo de acordo com a plataforma. Vídeos mais curtos tem mais possibilidade de engajamento e de viralização no YouTube, por isso, desde Show das Poderosas, a cantora tem investido em vídeos de, no máximo, 3 minutos. Esse tipo de formato, junto com o cross media, possibilita muito mais visualizações e garante para a Anitta vários recordes na plataforma.

Versatilidade: do funk para o mundo

Anitta é um camaleão. Ela muda de cabelo, faz plástica e não está nem aí. Clipes como o de Essa Mina é Louca mostram muito bem esse lado da cantora. Mas essa versatilidade não se limita ao estilo da cantora. O som da Anitta vai da boate ao trio elétrico. Ela é sensual e atrai os adultos, mas também tem seu Show das Poderosinhas para as crianças. Ela canta funk, pop, sertanejo, reggaeton e como esquecer da apresentação da poderosa na cerimônia de abertura dos jogos olímpicos ao lado do Gilberto Gil e do Caetano Veloso? A própria Anitta já afirmou em entrevista que está o tempo todo procurando novas tendências e estilos musicais para trazer para o Brasil e para seu público.

Co-branding

Lá vem mais um termo do marketing. O co-branding acontece quando duas ou mais marcas conhecidas no mercado se unem em para realizar uma ação ou para oferecer um produto para os seus consumidores e, dessa forma, se destacar perante os seus concorrentes. Sabe os feats com a Pabllo Vittar e com a Simone e Simaria? Co-branding. E, em menos de um ano, Anitta lançou sete singles com colaborações com artistas nacionais e internacionais. Isso garantiu para ela, em alguns momentos, praticamente um monopólio nas paradas musicais das rádios e das plataformas de streaming.

Mercado internacional: ela prefere o reggaeton

No início de 2016, Anitta anunciou sua carreira internacional. Hoje ela já conta com colaborações com os colombianos Maluma e J Balvin, com a Iggy Azalea e com o Major Lazer. Mas algo que me chama atenção é o fato de que Anitta não foi “com muita sede ao pote”. Ao invés de cair no pop americano, a cantora decidiu investir no mercado latino, que é muito mais receptivo do que o mercado americano - que é patriota e extremamente mais concorrido. A estratégia é atingir o público latino, que é enorme - e também abrange os Estados Unidos, por exemplo. E o reggaeton vem conquistando o mundo inteiro, investir nesse gênero musical é certeiro.

Empoderamento feminino e público LGBT

Desde a polêmica com a Pitty, como citado anteriormente, quando se trata de empoderamento feminino, a Anitta só tem acertado. Além disso, ainda no começo de sua carreira, já era possível notar a diversidade nos dançarinos que acompanham a cantora na coreografia. Destaque para as dançarinas plus size que se apresentaram junto com ela em programas como Caldeirão do Hulk e Teleton.

Sabemos que há uma equipe muito bem empenhada em fazer tudo acontecer, mas desde que rompeu com sua empresária em 2014, a cantora tomou as rédeas de sua carreira e é responsável por todas as decisões que vem impulsionando sua carreira até então. Dito isso, não há como negar: Anitta é uma estrategista nata e isso precisa ser reconhecido. Não se trata de sorte ou seu sucesso é algo que acontece de um dia pro outro. É tudo fruto de trabalho duro, marketing e muito talento.

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